CUESTION DE CINE

      Defender la alegría como una trinchera defenderla del escándalo y la rutina de la miseria y los miserables de las ausencias transitorias y las definitivas Mario Benedetti   La alegría como motor de vida, la memoria como eje vertebrador de nuestra existencia, la poderosa influencia de un padre en su hijo y cómo somos recordados para siempre. Decía Machado que “...hay dos tipos de hombres, los que viven hablando de sus virtudes y los que se dedican a tenerlas…” Héctor Abad Gómez era del segundo tipo y nadie mejor que su hijo Héctor Abad Faciolince para hacernos un retrato preciso de quién fue su padre. “El olvido que seremos” la última película de Fernando Trueba que adapta la novela homónima de Faciolince es, entre otras muchas cosas, sobretodo, una declaración de amor llena de sensibilidad y de pasión de un hijo a su padre. Un ejercicio sincero de amor y admiración que a medida que transcurre se va apoderando del espectador, desde lo cotidiano de las cosas senc

¿Es posible edificar una historia a través del manido y a veces manoseado concepto del cruce de caminos? Almodóvar lo intenta y lo consigue casi todo el rato en “Madres paralelas”, su última película que hace honor al título y nos cuenta dos historias que discurren con más en común de lo que pudiera parecer, a pesar de alguna escasa laguna en la trama, más bien debilitada por esa metáfora que relaciona a ambas como si fuera por medio del filo cordón umbilical que las une.  Una te lleva de vuelta a la memoria de un país y a la propia, mientras que la otra te atrapa desde dentro simbolizando ese vínculo eterno que surge tras la maternidad. Ambas, sin embargo  convergen desde el prólogo al epílogo y en ambas está escrito un relato, por encima de todo, necesario. Hay una que nos habla de las diferentes formas de ser madre, sin el juicio inquisidor de quien se cree en posesión de la verdad y lo hace a través de la diversidad que producen los personajes de Penélope Cruz, de Milena Smit o de

    “ Nuestro destino de viaje nunca es un lugar, sino una nueva forma de ver las cosas.” (Henry Miller) “ Nomadland” habla del desarraigo, de la dureza de la vida, de un sistema neoliberal que aplicado en su máxima expresión condena al ostracismo a todo aquel que queda fuera de la rueda productiva. Surge de la necesidad de contar una verdad incómoda y que no por dolorosa debe ser obviada. Debería avergonzarnos como sociedad que personas con más de setenta años vivan en caravanas o furgonetas y se tengan que ganar la vida en trabajos temporales mal pagados para poder sobrevivir los que se suponen deberían ser los mejores años de sus vidas. “ Nomadland” es una preciosa película de Chloe Z h ao sobre cómo afrontar ese drama y cómo utilizar el vigor personal de la protagonista para reivindicar a su vez otro modelo distinto de vivir. La directora prefiere no centrar la película en la crítica de este modelo abusivo, inhumano y desnaturalizado y centrarse más en el viaje interior que la

Cuando vi por primera vez “Besos Robados”, ya había visto más de una docena de películas de Truffaut. No esperaba encontrarme con una gran historia. Ni siquiera podía pensar que nada me conmoviera más que ver el plano final de “Los Cuatrocientos Golpes”, cuando Antoine Doinel miraba con el rostro desconcertado a la cámara.  En “Besos robados” Truffaut nos contaba cómo le había ido a aquel niño transcurridos unos años. Era muy escéptico aunque he de reconocer que solo empezar la película y oir “Que reste-t-il de nos amours” de Charles Trenet resultaba de lo más esperanzador. Sin embargo, el arranque de la película me pareció un poco desconcertante y fue en ese preciso instante, sentado en mi sofá favorito a punto de cenar cuando la vi aparecer. Llevaba ese típico abrigo corto años sesenta de color gris, sus piernas al aire bajo la típica minifalda que unos atribuyen a Mary Quant y otros al modisto francés André Courréges. En cualquier caso era como una nueva Catherine Deneuve, menos eté

  MANCHESTER BY THE SEA (Kenneth Lornegan 2016) Cuando el dolor es tan profundo que no te quedan fuerzas ni para quejarte. La culpa, la redención o la falta de ésta, la absoluta transitoriedad de la vida, cuando ésta ya no tiene sentido. Kenneth Lornegan sorprende tras "Puedes contar conmigo" o "Margaret" con una cinta sobrecogedora que te atraviesa el corazón para dejarte absolutamente destrozado.  La sobriedad, la austeridad se hacen presentes en cada plano de esta película. Un Casey Affleck que entra por méritos propios en el territorio de los actores con mayúsculas acompañado de un reparto absolutamente cercano y sobrio. Manchester by the Sea, es una elegía, un canto desesperado que no oímos porque es desgarrador.  A pesar de toda esta descorazonadora presencia, la película transita hacia la esperanza, hacia el territorio de la vida que sigue. Suena el "Adagio" de Albinoni y la secuencia que lo contiene te atraviesa el alma para luego irte llevando por

¿Existe todo aquello que contamos, o simplemente es moldeado en torno a nuestra idealización del momento vivido?  Esta magistral reflexión es la que podríamos plantearnos tras ver  "Verano del 85" lo último de François Ozon que toma como referencia la novela de Aidan Chambers " Baila sobre mi tumba" . Como todo su cine, la historia transita por una especie de relato aparente que en realidad no es más que el envoltorio para hacernos pensar sobre cuestiones mucho más importantes.  Influenciada en parte por Eric Rohmer, sobretodo estéticamente y a la vez  por su pasión al captar la esencia del verano, esta película aborda cuestiones a veces irresolubles sobre cómo intentar escapar de los relatos que a veces edificamos de nosotros mismos. Un "amour fou" en toda regla, que bebe del Tom Ripley de Patricia Highsmith; una atracción fatal  entre dos jóvenes en un pueblo de Normandía durante las vacaciones de verano, contada a través de la culpa y el dolor. Una his

  “ El pasado es algo que podemos recordar pero no tocar y todo lo que se recuerda es borroso y vago”. Así se cierra “In the mood for love” de Wong Kar Wai. Un magnífico retrato del dolor que persiste en la belleza, del amor en sí mismo y de su perdurabilidad en el tiempo. Su título original, en cantonés es F a yeung nin wa que viene a significar más o menos “El frescor de las flores se mantiene con el tiempo”. Más de veinte años después de su primer visionado dicho frescor sigue aún con nosotros. Estamos en 1962, en un Hong Kong convulso a la vez que inquisidor, y vamos a asistir a una reflexión maravillosa sobre el deseo, la existencia y el amor. La melancolía como elemento evocador, que transita desde el inmenso poder del lirismo que Wai nos propone. Suena la música y la cámara se vuelve lenta, parece casi acariciar los rostros de Maggie Cheung y Tony Leung cuando se cruzan en el rellano o casi rozan sus dedos al pasar por la escalera y mirarse. Una perfecta combinación de su

Un coro de niñas en un colegio de monjas hace como que canta, están preparando una actuación y la monja decide qué niñas cantan y cuáles fingen cantar para que parezca un gran coro.    El mismo coro de niñas canta en la función tal y como ensayaron, pero esta vez la cámara se centra en Celia que es una de las niñas y nos regala uno de los finales más hermosos y con más mensaje de los últimos años. Lo que hay en mitad de estas dos escenas es un viaje a la búsqueda del yo personal en la infancia, el paso decisivo a la adolescencia y posterior juventud. El período donde las personalidades se forjan para siempre. Hablamos de “Las niñas” la ópera prima de Pilar Palomero, un magnífico trabajo que retrata el universo particular de Celia (Andrea Fandos) en un colegio de monjas en Zaragoza durante el año 1992. Nada es casual en esta cinta que retrata a través de un paralelismo evidente las enormes contradicciones de un país que quería ser moderno y alejarse de todo el lastre llevado d

  Manuel y su hermano pequeño deben recuperarse de una enfermedad en un preventorio de un pueblo de Cáceres, cerca de la frontera portuguesa, en plena posguerra civil. Su estancia allí marcará un antes y un después en su vida. A partir de esta anécdota real ocurrida al escenógrafo, Manolo Huete, en los años posteriores a la contienda bélica, el director madrileño y yerno de Huete, Fernando Trueba lleva a la pantalla esta historia en “El año de las luces”, película por la que sería premiado en el Festival de Berlín con el premio a mejor director en 1986. “El años de las luces” se sitúa en la primavera de 1940, primer año del franquismo aunque, en seguida, el director nos va a dejar claro que la película se aleja totalmente de la dialéctica de vencedores y vencidos para adentrarse en aspectos menos trascendentes pero más gratificantes para el protagonista, como son el despertar sexual en pleno paso de la adolescencia a la juventud. Un ambiente impregnado de represión ide

  La música de Bach sonando a través de un chelo como metáfora de la tristeza, el casi lamento de un instrumento que habla por los ojos de una niña que ya es mujer pero no comprende cómo quién más la ha querido es capaz de haberle destrozado la vida.     Hablamos de Michelle Jenner interpretando a Silvia la protagonista de la película de Montxo Armendáriz, “No tengas miedo”, un excelso drama que transita por lugares incómodos, incluso pantanosos y lo hace con la fluidez y la delicadeza que el director navarro siempre tuvo. Esa emoción que siempre empastó con su capacidad para analizar los dramas desde un universo pleno de sensibilidad, emerge en una película profunda que sustenta su estructura en un guión medido que desgrana a través de silencios y miradas el drama más horrendo que una niña puede vivir en su existencia. Alejado de toda tentación morbosa, Montxo Armendáriz construye un relato que no necesita añadidos supérfluos para hacernos estremecer, primero con el rostro de un

    El 16 de Mayo de 1898 el explorador del Ártico, Frederic Cook escribió en su diario : "El invierno y la oscuridad han ido lenta y progresivamente apoderándose de nosotros... “ Justo esto es lo que ocurre en la nueva joya del director gallego Alfonso Zarauza, llamada “Ons”, donde el paisaje, la luz,... el entorno van adueñándose de distinto modo del alma de sus protagonistas. Mariña viaja a la isla de Ons junto a su marido quien se encuentra en plena depresión tras un accidente. A partir de esta premisa traumática, se elabora todo un relato donde lo más importante será cómo gestionar nuestros propios fantasmas internos. “Ons” es ante todo un viaje al interior de las personas y sus emociones...la luz del inicio que irradia el personaje de Mariña (Melania Cruz) va a ir poco a poco apagándose a medida que el entorno se hace más gris y oscuro. Por contra, Vicente (Antonio Durán) parece cada vez más arraigado a la isla. Ese trasvase de sentimientos y mimetización con el e