CUESTION DE CINE

   ¿Por qué cosas merece la pena vivir? Es una pregunta recurrente que el hombre se ha hecho a lo largo de toda la vida. Es probable que la respuesta sea siempre igualmente complicada de responder, hablamos de cosas intangibles, algo que no puede medirse, algo que no sabemos ...en ese lejano e inalcanzable tránsito hacia la verdad, el hombre va construyendo su camino a través de pequeñas cosas que le producen placer. Ese microcosmos donde nos sentimos únicos en el universo, ese lugar de absoluta comunión entre alma y cuerpo resume perfectamente la película que hoy tratamos. La última producción de Pixar, llamada "Soul" (Pete Docter) es un ejercicio maravilloso de cine que ahonda entre otras cuestiones, en cuestiones místicas o corrientes filosóficas como el existencialismo . Con una factura impecable visualmente hablando,   "Soul" es otra muestra más de que la factoría más famosa del cine de animación, hace tiempo que dejó de hacer películas exclusivamente para niñ

    Durante ocho años el país más poderoso de la Tierra tuvo como presidente a Barack Obama. Una idea absolutamente disparatada en 1967 cuando Stanley Kramer dirigió “Adivina quién viene esta noche” (Guess who’s coming to dinner), la maravillosa película que nos ocupa y es que para poder entender la fuerza de la misma, debemos situarla en su contexto real: la década de los sesenta, en plena lucha racial por la defensa de los derechos civiles. Una década plagada de constantes conflictos entre los que defendían la integración de los hombres y mujeres de raza negra y sus detractores. (La ceremonia de los Oscars de ese año tuvo que ser retrasada debido al asesinato de Martin Luther King autor de la famosa frase “I have a dream..” Tengo un sueño). En esas estábamos cuando Stanley Kramer realiza la última película que haría en vida Spencer Tracy. Cuando Katharine Hepburn ganó el premio, se lo dedicó a Tracy, al amor de su vida quien pocos días después del rodaje había fallecido. (Hubo

  Alicia es una profesora argentina de Historia, burguesa con una vida acomodada y resuelta. Está casada con un importante hombre de negocios y tienen una pequeña hija de cinco años que es adoptada. Su mundo es perfecto pero un día comienza a hacerse preguntas y todo comienza a cambiar.   En 1985 Luis Puenzo dirige “Lahistoria oficial” y gana el Oscar de la Academia convirtiéndose en la segunda película de habla hispana en llevarse la estatuilla tras la española “Volver a empezar” (José Luis Garci, 1982). Ésta es una obra pluscuamperfecta que retrata fielmente cómo afecta a una familia de clase alta el final de la dictadura argentina y el nacimiento de la democracia . La grandeza de esta obra está vertebrada a través de la conjugación de los hechos históricos que produjo la dictadura argentina con el drama familiar de alguien que comienza a cuestionarse si el mundo maravilloso en el que vive lo es realmente. La fuerza del trabajo actoral es quizá el principal activo de una histori

  “Rebecca, nos ha vencido...” dice apesadumbrado, con la derrota en la cara, Max de Winter. De fondo se oye la música de Franz Waxman y estamos a punto de asistir al momento clave de la historia que Daphne du Maurier nos regaló y que Hitchcock modeló a su estilo como nadie.      Estamos en 1940 y David O. Selznick produce la adaptación al cine de la novela “Rebecca”. Una obra maestra incontestable que traspasa la propia importancia cinematográfica para establecer vínculos emocionales incluso con tintes psicoanalíticos. Una película envueltra en una estética gótica majestuosa por la que los protagonistas transitan para mostrarnos una especie de cuento de hadas en el que los protagonistas huyen de lo aparentemente visible. Una película de presencias y ausencias, donde la sombra de la antigua señora de Winter todo lo opaca, cualquier acto de la nueva siempre queda eclipsado por el recuerdo de Rebecca. Eso sume a la joven protagonista que tan brillantemente interpretaba Joan Fontaine e

  Una pregunta que se suele convertir posteriormente en una afirmación, incluso en tono condescendiente es esta de: "¿Qué? ¿Te gusta mucho el cine, eh? Eres uno de esos".  No, no me gusta el cine. Me gusta el café con hielo que me prepara mi señora en verano, después de comer, me gusta la tarta de queso que hace ella. Me gusta el color rojo, me gustan la pasta y la pizza o me gustan los huevos fritos con patatas...eso me gusta, pero también podría pasar sin esas cosas y no pasaría nada (bueno excluiría en eso de que puedo pasar a la tarta de queso y a los huevos fritos) El cine no me gusta. No pertenezco a ese gigantesco grupo de población que dice que le encanta el cine. A ese grupo que en oleadas poblaba las colas de las multisalas cada fin de semana, antes que el mundo decidiera darse una tregua en forma de virus. No, no me puedo incluir en ese grupo que se sienta frente a la pantalla y dice que adora el cine pero solo lo entiende como un modo más de ocio. A mí, n

Todos llevamos puesta una máscara que oculta todo aquello que no queremos que los demás vean de nosotros mismos. Esa especie de protección ante lo desconocido o simplemente ese apoyo para no sentirnos vulnerables es lo que vertebra la existencia en realidad. La vulnerabilidad de aparecer sin máscara nos precipita, nos coloca ante abismos de los que preferimos siempre huir. “Quién te cantará” de Carlos Vermut es un maravilloso ejercicio de cine que ahonda en esos abismos de los que queremos escapar, a través de la historia de dos mujeres, Violeta y Lila que buscan su identidad una a través de la otra. Para alimentar además esta especie de muñeca rusa emocional, nos encontramos con otros dos personajes femeninos que dibujan las personalidades de nuestras protagonistas. Por un lado, Marta, la hija de Violeta, una adolescente perdida, que busca a través de la violencia y el sometimiento su afirmación y Blanca, la asistente de Lila, que también persigue su identidad por medio de Li

Decía Shakespeare que “ la culpa no está en nuestras estrellas sino en nosotros mismos” . Con esta frase abre Hitchcock la que debió ser la más onírica de todas sus películas quedando luego en “solo” y entrecomillamos lo de solo, una master piece del género policíaco. Hablamos de “Recuerda” (Spellbound, 1945) una cinta de la factoría del gran David O. Selznick y adaptación de Ben Hecht de la obra de Francis Breeding “The House of Dr. Edwardes” A Hitchcock siempre le fascinó ese mundo de lo onírico y de las dobles personalidades, ya habíamos visto en “Rebecca” como Joan Fontaine se pasaba la película opacada por el recuerdo de la gran señora de Winter, la dualidad de Kim Novak en Vértigo o la doble identidad confusa de Cary Grant en “North by Northwest” cuando su Roger O. Thornhill es confundido con el agente del gobierno George Kaplan. La misma Ingrid Bergman de “Notorius” era Alicia Huberman intentando adoptar una nueva personalidad. Característica que sin duda Gregory Peck aquí

“... que no lo comprendamos no significa que no sea real...” Con esta maravillosa frase el espectador confirma sus “augurios”...acaba de introducirse en una trampa de la que probablemente salga devastado emocionalmente. Hablamos de “Voces”, el debut en el largometraje del realizador algecireño Ángel Gómez Hernández, todo un seguro en el género de terror, como ya ha venido demostrando a lo largo de su joven pero prolífica carrera de cortometrajista con trabajos tan brillantes como “Y la muerte le seguía” o el multipremiado “Behind” En el arranque vemos como la cámara se posa en un plano cenital sobre una piscina abandonada sobre la que ha caído una pelota roja (declaración inicial ya de amor al género en forma de homenaje). Cuando terminemos el viaje al que el joven cineasta nos invita a recorrer, asistiremos a otro plano cenital de la misma piscina, esta vez sin la pelota roja pero mucho más desolador. Lo que habremos percibido entre estos dos planos similares es u

¿Existe algo más perturbador, cruel y devastador que la llamada telefónica de un hijo en peligro pidiendo auxilio? Así se iniciaba prácticamente “Madre” , el corto que Rodrigo Sorogoyen convertía en un film del mismo nombre y que nos permite continuar formando parte de la vida de Elena, diez años después de tan traumático arranque. Desde la angustia inicial partimos en un supuesto viaje a ninguna parte, a una especie de irrealidad en la que una excelsa Marta Nieto se introducirá en la piel de Elena para sobrecogernos en cada uno de sus gestos plenos de verdad. Podemos sentir su dolor, su entorno permanece ajeno, y eso nos da una especie de poder en la historia que nos hace comprender mejor cada gesto, cada detalle irracional, cada mirada perdida o llegado el momento cada sonrisa. Elena no encuentra su sitio en ningún lugar, solo parece estar cómoda en esa playa, reviviendo cada día el mismo instante y emergiendo en una existencia que ya le es extraña desde quizá dem